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miércoles, 30 de diciembre de 2009

LA BALA

"The Bullet" es el título de un DVD training de integración entre Cinema 4D , Blender y 3D Studio Max (softwares de 3D) y Adobe After Effects (composición en 2D). Su creador es el autor de la genial página Videocopilot de la que tanto he hablado yo aquí...

Se trata crear lo siguiente: (esta es la versión que yo he hecho):




LA BALA from RCH.DIGITAL on Vimeo.


En definitiva se trata de crear la bala en el programa 3D que prefieras. Yo lo hice con Cinema 4D que me parece más intuitivo. Una vez modelada la bala, se le aplican texturas para que parezca más real... Luego, se mete una imagen fija del momento del disparo para usarse de referencia y se crea una cámara que determinará el movimiento de la bala. Los datos de esta cámara así como la bala se exportan para ser tratados en After effects, donde se crearán el resto de efectos como humo, el fuego del disparo, y como no, la senda que va dejando la bala.

Realmente es bastante completo y, para mí, complejo el tutorial y se aprende un montón.

Y es un pegotazo para ponérselo a los colegas!!!!

Gracias Antonio por tu gran actuación !!!




viernes, 17 de abril de 2009

DEMON FACE WARP

Aquí tenéis una muestra de lo que el maestro Andrew Kramer de Videocopilot es capaz de transmitir a los demás. Y es que Andrew está creciendo cada vez más. Y no sólo se entretiene con after effects, sino que ya en varios tutoriales nos introduce en el mundo del 3D, con programas como 3D Studio Max, cinema4d o Blender y la integración posterior con After effects... una pasada. En este sentido ya nos ofreció un DVD en el que se mostraba todo el flujo de trabajo necesario para obtener una escena como esta:




Pero bueno, os dejo mi prueba de otro de sus "exciting tutorials" como él dice:

ATENCIÓN: ESTE VÍDEO PUEDE HERIR SU SENSIBILIDAD (mi niña quiso ser la prota, no penséis mal de mí ;)


Untitled from RCH.DIGITAL on Vimeo.

miércoles, 15 de abril de 2009

DV REBEL´S GUIDE



Stu Maschwitz es un cineasta que se hizo a sí mismo desde el mundo de los efectos especiales. En los años 90 Stu trabajaba en la Industrial Light and magic , la productora de efectos visuales de George Lucas, os debe sonar este nombre... Más tarde Stu creó la suya propia, The orphanage, creadora entre muchas de los efectos de Sin city, Superman, piratas del caribe...........



Pero bueno, hablo de él porque es el autor del penúltimo libro que me he comprado y que da título a este post. El libro es toda una biblia del cine independiente o de cómo hacer películas estilo Hollywood con el mínimo presupuesto. En muchos de los capítulos se habla del Adobe After effects como programa de composición digital. Lo he tenido que comprar por internet debido a que no se ha editado aquí en España. De ahí que esté en inglés... ejem... pero bueno poquito a poco... ;), gracias a los tutoriales de Videocopilot, también en inglés, a lo tonto estoy aprendiendo sin darme cuenta.


En fin, cuando vaya leyendo os daré más detalles de los trucos usados para lograr lo que parece inalcanzable a simple vista.


Totalmente recomendable.


Por cierto, si hay alguien tan frikie como yo, os recomiendo que veáis el blog de Stu, pinchando aquí . También podeis ver su "director reel" en vimeo





viernes, 14 de diciembre de 2007

LA ILUSIÓN ÓPTICA DE LA HABITACION Y LAS NIÑAS

Me ha parecudo muy curioso esto que he encontrado en microsiervos, y os lo pongo aquí para que lo veais:

The Room Illusion [YouTube, 90 seg.] es uno de los más asombrosos e impactantes fragmentos del maravilloso y altamente recomendable documental Brain Story (2000). Es una ilusión óptica de las mejores que haya visto nunca. No hay trucos digitales ni de post-producción: es una escena real, rodada de una forma… especial. Es una ilusión tan buena, tan buena, que puedes verla una, y otra, y otra vez mientras los ojos engañan a tu cerebro continuamente.
En la secuencia, las niñas parecen cambiar de tamaño al moverse por la habitación. ¿Qué está sucediendo? En realidad se trata de una habitación construida de una manera… peculiar: su perspectiva está tremendamente deformada, incluyendo los muebles que contiene, el lado izquierdo que es más grande que el derecho y hasta algo de pendiente. Pero el ángulo de cámara se ha elegido cuidadosamente para que parezca normal en cada toma.
Nuestros ojos ven la escena y el cerebro interpreta que está ante una habitación, «y todas las habitaciones son rectas». Los movimientos de las niñas confunden al cerebro, porque parecen cambiar de tamaño, pero el cerebro tiene grabado tan profundamente que esa habitación «ha de ser como todas las demás habitaciones» que la mente prefiere creer… ¡que las niñas cambian de tamaño!
Lo que explica la narradora es que, en nuestra limitada percepción del mundo exterior, es tan importante lo que el cerebro espera ver como lo que realmente ve. Un ejemplo asombroso de cómo nuestra memoria visual y nuestra imaginación pueden literalmentee influir en cómo percibimos lo que tenemos delante de nuestros ojos.,
Es tan difícil salir de esta ilusión óptica de la habitación deformada que mucha gente sigue sin entender lo que sucede realmente, o cómo es la habitación, aun viéndolo muchas veces.
Esta construcción se llama La habitación de Ames (en la Wikipedia: Ames Room, con un plano de cómo se construye el efecto). Fue el oftalmólogo Adelbert Ames quien la creó en 1946 a partir de un concepto del médico y físico Hermann von Helmholtz. Una aplicación práctica de esta perspectiva forzada fue usarla en El Señor de los Anillos para conseguir que los hobbits parecieran pequeñitos al lado del mago Gandalf, especialmente en las secuencias de interiores.

martes, 4 de diciembre de 2007

SERAFÍN... Y SU VIAJE A LA CORDILLERA DEL ATLAS

Serafín es un sevillano gran aficionado entre otras cosas al montaje de video digital. Un buen día me envió un mail en el que me daba la enhorabuena por el blog pues, en su afán por aprender sobre el montaje, llegó a él googleando un día. Podeis imaginar mi asombro y mi cara al recibir tales elogios. En su mail me invitaba a visitar su espacio en tu.tv, cosa que he hecho, y de lo cual os voy a dejar aquí un ejemplo de lo que Serafín es capaz de hacer.

El video corresponde a un viaje a la cordillera del Atlas en Marruecos en la que nuestro amigo desarrolla otra de sus pasiones.

Sólo me queda decir que, viendo el video, la música es la única que le podía haber puesto a esas imágenes. Genial. Me encanta el principio con la música cuando la pieza se suaviza y el fundido a negro da paso a la carretera y se empieza a escuchar el rugido de la motos.

Enhorabuena Serafín!!


www.Tu.tv

martes, 2 de octubre de 2007

EFECTOS DIGITALES IRRECONOCIBLES

Buenas a todos.

Impresionado me he quedado al ver el siguiente video sobre el uso de efectos digitales en la peli zodiac, de David Fincher, director de Seven. La peli en sí no me disgustó, aunque a ratos se me hizo lenta. Lo que no me esperaba es que la peli tuviera tanto.......... mejor que lo veais.




Joder, de aquí a nada ni Scarlett Johansson será real........

martes, 28 de agosto de 2007

LA CÁMARA "VOLADORA"

¿qué tal peña?. Ciertamente he tenido dos semanas de vacaciones de lo más perras: ni tutoriales, ni escribir en el blog, etc. Pero bueno de todo hay que descansar, verdad?. Asomándome al interesante blogacine veo como se las ingenia la gente para obtener planos de lo más interesantes. Fijaos en el siguiente video.

Por lo demás algún video veraniego he hecho "temática sobrinos" que ya os pondré aquí.

Otra cosa, llevo todo el verano escuchando en el coche la canción "Grace kelly" de Mika y me ha pasado como otras veces en las que oyendo un tema ya le voy poniendo imágenes. Algo chulo se podrá hacer.

Hasta pronto.



Orbit Cam - video powered by Metacafe

jueves, 12 de julio de 2007

DEL ESPACIO A SAN FRANCISCO

Os voy a poner el video del tutorial que he hecho en after effects a través de la web del crack Andrew Kramer, videocopilot.

Se trata de simular un zoom del espacio hacia la tierra. Desde luego que si teneis el google earth pro no resulta complicado pues puedes grabar videos de los desplazamientos por el programa. Pero Andrew lo hace a partir de varias fotos a distintas alturas y una de la tierra, y el adobe after effects. Así hace que aprendamos más de este genial software.

Este es el resultado. Si teneis vértigo no lo veais. Recuerdo que en el pasado mundial de fútbol de Alemania se usaba este efecto como entradilla a las ciudades alemanas sede de los distintos equipos. Claro que con Andrew mejoramos al incluir nubes que van pasando, cosa que no hace el google earth.

jueves, 14 de junio de 2007

SORPRENDENTE NUEVA FUNCIONALIDAD DE ADOBE AFTER EFFECTS

Ojeando el blog de Bob London, uno de los profesores de los tutoriales de totaltraining, me quedo boquiabierto ante una nueva función que trae el programa de efectos especiales y animaciones After effects. Se trata de la "puppet tool". Una rápida manera de animar objetos totalmente desanimados de por sí. Bob nos hace una demostración práctica y me ha sorprendido mucho el efecto que consigue en un momento.

Lo que vais a ver ahora es una fotografía de un pajarito sobre la rueda de una bicicleta. Pues bien lo que hace Bob es seleccionar el pajarito en photoshop en una nueva capa, y desde after effects aplica la herramienta puppet marcando unos puntos en el pajarito donde quiere que se mueva. Y este es el resultado. Recordad, es una foto.

Supongo que para los "mortales" igual no es tan fácil conseguir eso, pero la herramienta promete.

Os anuncio que me voy de veraneo anticipado a mi querida Punta Umbría y puede que no tenga Internet de forma continuada hasta septiembre. Aún así no os abandonaré, pues el verano es época de rodajes chupictures.

miércoles, 23 de mayo de 2007

MONTAJE Y CENSURA

Pedro del Rey es sin duda uno de los montadores de más prestigio dentro de nuestro cine español. Ha montado más de 150 películas, es miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, y en la actualidad es profesor de la Escuela de la cinematografía y del audiovisual de la Comunidad de Madrid.

Leo en su libro "Montaje: una profesión de cine" ciertas anécdotas sobre su experiencia en la época de la censura:

"(...) Otra forma de manipulación fue la que hubimos de maquinar los montadores para intentar burlar la censura. En aquellos tiempos un beso en pantalla era el equivalente a corte seguro. (...) Ya en el informe sobre guión los censores subrayaban, cuando no suprimían, aquellas secuencias que consideraban pecaminosas u ofensivas para la moral. Por eso montábamos dos y hasta tres besos como cebo, para que al menos uno fuera autorizado.(...) En el pase de censura de la película "Parque de Madrid" (1959) se produjo algo verdaderamente estrambótico. Durante el desarrollo de una conversación ingenua entre María Martín y Juanjo Menéndez, éste como chiste imitaba el sonido de una pedorreta con los dedos en los labios. El censor, en una medida totalmente absurda, decidió suprimir aquella acción considerando el gesto como pecaminoso. El productor de la película me llamó para que explicara técnicamente los inconvenientes del corte: la acción se encontraba dentro de un plano secuencia y cualquier corte en el plano constituía más un menoscabo de mi trabajo como montador que un ataque a la moral del pueblo español. Tras más de una hora de deliberaciones el censor se dio cuenta de que la acción era totalmente ingenua. Pero no siempre se conseguía...

(...) Durante mi corta estancia en televisión, en el montaje de un documental sobre Antonio Machado se nos planteó un grave problema en la marcha del personaje hacia el exilio. No teníamos imágenes adecuadas así que recurrimos a un plano de archivo de un camión con gente que huía camino a Francia. Este plano lo alternamos en paralelo con una fotografía de Antonio Machado. El efecto, aunque rudimentario, fue conseguido, hasta que fue visto por los censores, que consideraron los planos de la fotografía como efectos subliminales con mensaje político. al final sólo el camión indicaba el exilio....

jueves, 22 de marzo de 2007

EL MONTAJE PRIMITIVO (1900-1925)


(extraído de "un momento en el parpadeo" de Walter Murch)

En el primer cuarto del S.XX la sala de montaje de una película era un sitio tranquilo, equipado únicamente con una bobinadora, unas tijeras, una lupa, y el conocimiento de que la distancia desde la punta de la nariz a los dedos de la mano extendida representaba aproximadamente alrededor de 3 segundos.

En esos días manuales, pre-mecánicos, la sala de montaje era una sastrería relativamente tranquila en la que el tiempo era la tela.

La montadora (en aquella época muchas eran mujeres) había visto la película proyectada cuando llegaba por primera vez del laboratorio. Después volvía a examinar los fotogramas con una lupa, recordando cómo se veían en movimiento, y cortaba con unas tijeras allí donde creía que era el sitio correcto. Paciente y algo intuitivamente, "cosía el tejido de su película" uniendo con clips los planos que más tarde serían encolados por un técnico en la planta baja.

Después ella proyectaba el montaje al director y al productor, tomaba notas y volvía a su sala a hacer más ajustes, cortando esto y alargando lo de más allá, como la segunda prueba de un traje. La nueva versión se proyectaba otra vez, y el ciclo se repetía sucesivamente hasta que el traje quedara lo más perfecto posible.

martes, 20 de marzo de 2007

LA MAGIA DEL MONTAJE

Sí. Como veis el título que tiene esta entrada es el que decidí ponerle al blog. Un buen día, y cuando el blog estaba en formación me acordé de un documental que pude ver en canal satélite sobre el arte de la edición de películas ( creo que incluso lo nombré por aquí algún día). El docu se llama "The cutting edge": the magic of movie editing. Es sin duda un documento imprescindible para todo amante del cine en general, y para los amantes de la edición en particular. Y digo imprescindible sin exagerar pues el tema del montaje no es una materia sobre la que se pueda encontrar variada documentación. Básicamente existen algunos libros considerados Biblias del montaje, como el escrito por Karel Reisz, y hace ya bastantes años. Lo cierto es que cuando el cine ha ido evolucionando muchos de los criterios de montaje considerados como inviolables ya no lo son. Hace cincuenta años un espectador no entendería una película de John Woo en la que una patada se repite varias veces. Antes las películas tenían un ABC de montaje, exceptuando algunas obras importantes como Atraco Perfecto de Stanley Kubrick (ups... el plumero), en la que podemos ver el atraco contado desde varios puntos de vista; y sobre todo Orson Welles, apasionado del arte de unir trozos de película. Antes era todo más lineal con la inclusión del flashback como mucho.

Hoy en día estamos más acostumbrados a cortes bruscos, e incluso podemos llegar a entender películas que hace tiempo serían enrevesadas para el espectador. Y esto ciertamente no está mal para el montaje, donde la creatividad debe ser primordial.

Como bien dice Sean Penn en el documental "el editor muchas veces evita el suicidio del director"; y sin embargo debe ser una putada no ser reconocido por hacer que podamos ver las pelis.... Sólo os quería dejar aquí el documental en google video para los que estén interesados, y porque no puede faltar en este blog. Por cierto que está en inglés. Bueno no os preocupeis que lo utilizaré para seguir con mi particular historia del montaje incluyendo algunos trozitos para explicar más cosas.

Al que le guste el cine se lo recomiendo.

martes, 13 de marzo de 2007

MATERIAL DE RODAJE DE EL RESPLANDOR.... EN BLADE RUNNER


Para la confección de El Resplandor Kubrick batió su particular record de metraje descartado para el montaje final. Pero fíjate por donde que Ridley Scott se sirvió de cierto material de desecho para solventar un problema suscitado durante el rodaje de Blade Runner. El tema era que para el final de la película decidieron incluir una escena de los protagonistas conduciendo juntos hacia el campo, y en un principio el final estaba previsto sin esta secuencia, por lo que no disponían de las tomas necesarias. Scott no tenía más tiempo que perder buscando localizaciones, así que consiguió el teléfono de Kubrick a través de Ivor Powell, que había trabajado con Stanley en 2001. Estaba aterrado porque era la primera vez que iba a hablar con Kubrick (ya sabeis que era algo especialito, jeje). Le explicó el problema, y le dijo: "sabes tus escenas de apertura de El Resplandor... estoy seguro de que debes tener horas de metraje de estas... ¿tienes algo que nos pueda valer?.... Stanley dijo, "seguro. Te enviaré algo. Cuando lo recibas, coge y monta lo que desees. Con la condición de que no uses lo que yo he utilizado".

En menos de dos horas tenía entre 17.000 y 20.000 pies de rollos de las tomas del helicóptero (se trata del principio de El resplandor, cuando los protas conducen hacia el Hotel).

El único inconveniente que tenía el material de Kubrick era la presencia en el margen inferior de el Volkswagen amarillo de la familia prota. Sin embargo Terry Rawling, supervisor de montaje de Blade Runner pudo solventar el problema ya que el formato panorámico 1:85:1 del film dirigido por Ridley Scott permitía prescindir de esa franja inferior del metraje rodado para El Resplandor en un formato más cuadrado. Así se eliminó el problema de hacer circular dicho vehículo en el año 2.019, fecha en la que transcurre la adaptación de la novela de Philip K. Dick ¿sueñan los androides con ovejas eléctricas?. Las escenas adicionales reproducidas en el interior del automóvil con Harrison Ford y Sean Young se rodaron posteriormente en California.



Diez años más tarde, en 1.992, Scott presentó Blade Runner: el montaje del director, en el que se eliminaron estas escenas de "happy end".


Es más he podido descubrir que no existen ediciones en Dvd que incluyan estas escenas. Parece ser que a Ridley Scott le pareció con el paso del tiempo un final ñoño y prefirió que perdurara el corte que él mismo efectuó en 1.992.

En esta ocasión no he encontrado ningún video ilustrativo, I am sorry.

martes, 6 de marzo de 2007

LA CLAQUETA EN EL MONTAJE

Qúe fantásticos estos tutoriales multimedia de Totaltraining.com (no llevo comisión, lo juro). Haciendo el curso de Adobe Premiere (el que uso para los montajes), he llegado a un capítulo excitante: la edición multicámara. Dentro del curso vienen unos archivos para practicar el tema en cuestión, y en este caso estoy haciendo un videoclip musical. De tal forma que tengo a los músicos tomados desde varias perspectivas y con un fondo verde para hacer un chroma-key.

Y es cuando me he dado cuenta de la importancia que tiene la claqueta en el cine. No señores, no es algo decorativo ni histórico. Para el montador sin duda es clave, es el elemento con el que sincroniza las tomas multicámara. De esa forma he cogido el clip 1, y cuando el currito hace el clack!!.... es en ese momento donde has de poner una "marca" o punto de entrada. Así haces con el resto de clips de las otras cámaras, y ya tienes sincronizadas las tomas y listas para que las montes a tu gusto.

Recuerdo que cuando monté el video del Alto Conquero, que se grabó con dos cámaras me las vi y las deseé para la sincronización. A veces utilizaba algún sonido y otras un pestañeo (fíjate... en el momento del parpadeo.. jeje).

jueves, 1 de marzo de 2007

LA REGLA DE LOS 180º Y EL SALTO DE EJE

Una de las técnicas más básicas para directores y montadores de cine es la del eje de una escena. Para que lo comprendais qué mejor que poner un ejemplo:



Supongamos esta escena en la que abrimos con un plano general de ambos actores (cámara 1). La regla del eje viene a decir que los cortes aceptados desde esa toma 1 serán a los planos tomados por la cámara 2 y 3. Es el típico diálogo en un película. Cuando habla el de la izquierda se usa un plano de la cámara 3 y si es el de la derecha se usa un plano de la cámara 2.

Si utilizamos un plano de la cámara 4 se produce un salto de eje ( el eje es la linea de puntos que no debemos cruzar, teóricamente). Lo que vendría a ocurrir es que en el plano de la cámara 1 sabemos que pepita está a la izquierda y si de repente aparece un plano de la cámara 4 veremos a pepita a la derecha y el espectador sufrirá un salto no deseado. Lógicamente un Director en la planificación de una secuencia de este tipo no grabará nada desde la posición 4.

Esta regla se rompe si dentro de un mismo plano la cámara se desplaza detrás del eje y el espectador puede entenderlo.

Obviamente estamos ante un concepto teórico, en una escena básica. En determinadas películas hoy día incluso se rompe el eje conscientemente de una forma creativa o para llamar la atención.

Es algo curioso este tema pues es algo en lo que no te fijas cuando ves una peli. Fijaros en la próxima que veais, ya vereis que way. (te encantaa!!!).

Curiosamente he encontrado este corto finalista al concurso de notodofilmfest que se titula "tía, no te saltes el eje" que es una demostración clara de la ruptura de esta regla. Os recomiendo que lo veais para que comprobéis lo incómodo que resulta a la vista. (al acceder puede que os pida vuestro mail, ponedlo que no pasa nada)

VER " TIA NO TE SALTES EL EJE"

jueves, 22 de febrero de 2007

EL ABUSO DE TRANSICIONES Y EFECTOS

Despues de comer y dado que no conseguía dormirme estuve zapineando un rato, y viendo un anuncio de una de las cadenas locales de Huelva, en el que se anuncia una empresa de estacionamientos de vehículos, me pareció que el montador estaba abusando de la conocida transición de fundido entre dos imágenes (aplicadas a cada corte en el anuncio; en mi mente estaba viéndolo con los cortes básicos y me parecía mejor) y se me ocurrió este post.

Una de las cosas que se aprenden y de la que te das cuenta cuando te metes de lleno en el mundo de la edición de video, es el abuso incontrolado que hace determinada gente de transiciones entre planos y efectos varios. Todos hemos visto alguna "producción" de algún conocido en el que en un corte entre dos planos, en lo que lo más lógico es usar el corte básico, de repente empieza a desplegarse una página, o la imagen que estábamos viendo desaparece cual superman y aparece debajo otra. No he de negar que cuando empiezas lo tocas todo, y los videos te salen muy recargados, casi rococó.

Cuando leí "en el momento del parpadeo" de Walter Murch, y empecé a entender el mundo del montaje, me di cuenta de que la transición más lógica entre dos imágenes en principio es el "corte" puro y duro. Y lo fundamental es elegir el momento de ese corte, ahí está la clave. Hay que intentar que un mismo plano no sea excesivamente largo, a no ser que sea necesario, y cortar en un momento en el que ese corte no suponga un salto excesivo para la vista (y el oido) y respete la continuidad de la acción. Así se consigue que los videos sean amenos, y de paso te diviertes montándolo. El propio Murch en su obra comenta que cuando estaba montando Apocalypse now, había días en que no efectuaba ningún corte, y otros varios. O sea que merece la pena pararse a elegir el momento justo para que la calidad del video sea óptima. (ya se que esto puede quedar petulante hablando de vídeos caseros, pero que le voy a hacer, es mi pasión).

Hay días en que visiono mis creaciones pasadas y me doy cuenta de errores que hoy no hubiera cometido, algunas veces por la rapidez al montar. Como me pasó en el dvd de alvarito (recientemente oscarizado), en el que sufrí un fallo de raccord, y esta vez fue por el sonido. Hay un momento en que el protagonista se está tirando del tobogán y se produce un corte visual bien hecho. El tema es que antes del corte el Sr.Falete exclama: "venga, ahora se tira maría...", y el corte pasa a otra tirada de Alvarito del tobogán...El espectador tras escuchar eso inconscientemente sufre un choque cuando lo siguiente que ve no es maría tirándose del tobogán. No se si me explico....

Pero siguiendo con las transiciones, hay veces en que el uso de ellas es muy útil para vídeos cómicos (vease aki no hay quien se duche) o trailers que lo requieran. Igualmente, la transición de fundido entre dos imágenes se usa cuando quieres hacer que pase el tiempo dentro de una misma acción, y los fundidos a negro de entrada y salida acentúan el cambio de escenario y tiempo.

A mi humilde entender, usar las transiciones con exageración es abusar, normalmente lo mejor es siempre el corte básico, que debe suponer el 99% de cualquier película, casera o no.

He dicho. Po toma.

sábado, 17 de febrero de 2007

LA NIÑA DEL ABRIGO ROJO


Sin duda, y como ya habreis podido apreciar si habeis leido algunas de mis entradas en el blog, lo que más me interesa y me llama la atención del cine son esos momentos en que determinadas películas llegan a despertar mi sensibilidad. Son muchas las escenas que a lo largo de mi vida me han atraido, y hacen que nunca olvide esas películas. A mi no me gusta pararme a opinar si una película es buena o mala, creo que eso es criterio de cada uno. Pero lo que si me gusta es compartir esos momentazos que la imagen me ha hecho disfrutar. Lástima que cada vez sean menores...

Creo que los buenos cineastas son aquellos que saben despertar esos sentimientos, más allá de realizar una película técnicamente buena. Sin duda considero a Spielberg un mago en este sentido.

No voy a hacer una exposición de su película La lista de Schindler. Simplemente os digo que me pareció soberbia.

Pero voy a dejarme de cursiladas y voy a pasar a hablar de una escena que me impresionó, de esas que os comento que convierten las pelis en obras maestras. ¿os acordais de la niña del abrigo rojo?. Es el momento en el que Oscar Schindler montado a caballo observa desde una colina la violenta evacuación del ghetto, y entonces destaca sobre la imagen en blanco y negro la aparición de la niña con un abrigo rojo. Creo que es un momento transcendental en la película. La niña es un símbolo individual de todas aquellas personas que fueron masacradas sin sentido. Y es el momento en el que Oscar se da cuenta de ello y comienza a hacer algo por ayudarlos. Además si os fijais en el cartel de la película vereis que se muestra una mano adulta sujetando a la de un niño/a con....... un abrigo rojo.

El simbolismo de la escena desde luego puede quedar abierto a la opinión de quien vea la película, aquí os la pongo para que la disfruteis. Ese color rojo sobre blanco y negro, esa música, y ese gesto de Schindler sin duda son geniales. En este video, despues de que la niña se mete debajo de la cama se produce un corte al momento en que vuelve a aparecer la niña en pantalla.... en otras circunstancias.... fijaos en el careto de Schindler....

viernes, 9 de febrero de 2007

BULLIT: MENUDA PERSECUCION

Buenas a todos y perdón por el abandono del blog, pero aquella gripe que os comenté aún sigue por aquí. Empezó con algo de fiebre, se pasó a la nariz el viernes pasado, y esta semana ha desembocado en el taponamiento del oido izquierdo y a partir de hoy de ambos. Pero ya recupero algo las ganas de hacer algo. Me he llevado toda la semana pegado al sofá viendo producciones de la competencia, jaja. Por cierto os recomiendo la película 13 Tzameti, la cual es en versión original (francés) con subtítulos y en blanco y negro. Qué buena. No os cuento nada de la angustia que pasé, un disfrute vamos.

Este mediodia visitando blogdecine, genial página sobre la actualidad cinematográfica y que a veces me sirve de inspiración para mis entradas, me topé con un video de la genial persecución de la película Bullit (1.968) protagonizada por Steve McQueen, y fíjate por donde es un tema interesante desde el punto de vista "montajístico". La película por cierto ganó el oscar al mejor montaje otorgado a Frank P. Keller.

Sin duda los primeros en usar las persecuciones fueron los precursores del cine mudo de los que ya he hablado aquí, Porter y Griffith, teniendo en cuenta que en la época al no existir diálogos fueron grandes innovadores en lo que a montaje se refiere.

Las escenas de persecución son un buen ejemplo del buen uso que se puede hacer con los cortes. Montar una escena de persecución no debe ser nada fácil, teniendo en cuenta que es fundamental que el espectador siempre esté metido en la escena, que conciba una continuidad de los acontecimientos. Logrando esto se pueden hacer maravillas, gracias a la tensión que se puede imprimir a la escena de persecución sabiendo usar los planos correctos, en su duración correcta, e insertando de vez en cuando "planos de reacción" de personas que "pasaban por allí".

Esta tarde me dirigía a jugar al padel con mi amigos y Mario, amigo que me ha hecho de siempre descubrir muy buenas joyas del cine (siempre recordaré cuando íbamos al cine los lunes o los martes, para que no nos molestara el "publiquito" de Huelva) y le comenté que pensaba hacer esta entrada, y en seguida me ha hablado de escenas de persecución de varias películas, una de ellas la de Granujas a todo ritmo. Pero otro día recordaremos otras escenas. Hoy os voy a dejar como ejemplo esta de Bullit, de la que siempre oí a mi padre (otro cinéfilo que tiene tambien gran "culpa" de que este blog exista) hablar de esta persecución.

Disfrutad con lo que se puede hacer sabiendo "cortar" a tiempo.

(Por cierto Rafa, gracias por decirme que has disfrutado y hasta te has emocionado con el blog, no sabes lo feliz que me hace eso).

lunes, 29 de enero de 2007

PHILADELPHIA

Philadelphia es otra de las películas que me ha impactado en mi vida. De esas de las que se te quedan imágenes grabadas casi para siempre. Fue dirigida por el prestigioso director Jonathan Demme (el silencio de los corderos, otro clásico) y se estrenó en 1.993. Qué buenas las actuaciones de Tom Hanks y Denzel Washington.

Pero como este blog va de lo que va, escribo este post para mencionar varias escenas que considero geniales, de esas que te llegan. Para empezar, las tomas iniciales de la ciudad en los títulos de crédito con el temazo de Bruce Springsteen son impresionantes. Es de esos momentazos que os comento siempre de la mezcla imagen-música. Me pareció soberbio. Lástima que no he encontrado el video por ahí.

Pero sin duda la que más me marcó fue la escena final. ¿la recordais? (CONTIENE SPOILER). Tras el fallecimiento del personaje interpretado por Tom Hanks, todos los familiares y amigos están reunidos en la casa (la típica "fiesta" americana en estos casos). Entonces comienza la música de la fantástica canción de Neil Young, precisamente titulada Philadelphia. La cámara está siguiendo a diversos personajes durante el post entierro y entonces puede verse como algunos están observando el televisor, que proyecta imágenes del fallecido durante la niñez. La cámara simplemente se acerca y enfoca el televisor y pasamos a ser espectadores de dicho video. Una sencilla y a mi gusto muy eficaz manera de terminar la película. Aquí podeis ver dicho video. Justo cuando empieza si estais atentos vereis como la cámara está terminando de acercarse a la tele y lo siguiente.... genial, qué buena mezcla de imagen y música, y sobre todo despues de haber disfrutado del resto de la película. A mi se me pone la carne de gallina cada vez que veo esta escena.

domingo, 28 de enero de 2007

GRIFFITH: EL ACENTO DRAMÁTICO


Siguiendo el análisis de lo que ha sido la historia del montaje voy a detenerme en una figura fundamental de la historia del cine: el norteamericano David Wark Griffith. Históricamente a lo que montaje se refiere Griffith marcó el siguiente estadio tras Edwin S. Porter (del que ya hablé aquí).

Porter desarrolló el método de la continuidad cinematográfica presentando las historias en una progresión de secuencias. Sin embargo cada escena se mostraba desde una distancia fija de la cámara, no podía variar el feeling de la historia que estaba contando. Griffith comprendió que una secuencia cinematográfica debía estar formada por planos incompletos grabados desde diversos puntos, cuyo orden y selección serían elegidos según el dramatismo de la escena.

Pero qué mejor para entender esto que un fragmento de su
genial "El nacimiento de una nación" (1.915).

El argumento de este fragmento de la película es simple: el presidente Lincoln es asesinado en un teatro mientras su guardaespaldas ha abandonado irresponsablemente su puesto. Porter lo hubiera llevado a cabo usando como mucho doce planos para que la historia se entendiese. Pero Griffith no tuvo bastante. Construyó la escena en torno a varios grupos de personajes: lincoln, dos personas del público, el asesino, y los actores del escenario. Cada vez que corta de uno a otro el corte es aceptable pues asumimos ya que todos están allí (tenemos que entender que a principios del S.XX los cortes eran todo un misterio, no como hoy en día que los tenemos asumidos). Fijaos en el dramatismo que consigue Griffith en esta secuencia utilizando los cortes apropiados: Cuando la chica del público señala al palco, parece que ha descubierto al asesino; y cuando el asesino entra en el palco, como corta a un plano del escenario para aumentar la tensión.



El avance que supuso Griffith para el cine fue casi definitivo en la época. De tener que rodar largas secuencias con la dificultad que ello conllevaba, gracias a Griffith las escenas empezaron a rodarse independientes, con planos cortos de varios personajes que despues serían montados. Al mismo tiempo dificultó la labor de los actores al ser ya importante que los gestos fueran creibles.
Fue el creador del primer plano y el primero que utilizó movimientos de cámara. Qué apasionante debio ser aquella época en la que tantas cosas que hoy tenemos asumidas estaban descubriéndose. Chapó por Griffith.
“Para mí, la película perfecta es como si se desarrollara detrás de tus ojos y tus ojos la proyectasen, de modo que vieras lo que deseabas ver. El cine es como el pensamiento. Es el arte más cercano al proceso de pensar. Mira esa lámpara al otro lado de la habitación. Ahora mírame de nuevo a mí. ¿Ves lo que has hecho? Has parpadeado. Eso son cortes. Tras la primera mirada, sabes que no hay motivo para hacer continuadamente todo el recorrido entre la lámpara y yo, porque ya conoces lo que hay en medio” .